Depuis plusieurs mois, la série Astro City semble tomber dans la facilité en servant à l’infini une formule que l’on connait par coeur. Jusqu’ici le titre était sauvé par une écriture toujours aussi solide et des personnages intéressants. Seulement voilà, quand l’écriture n’est pas aussi inspirée que d’habitude et que le style, lui, reste le même ça donne Astro City #39. Busiek reprend son concept en le suivant à la lettre, en mettant en avant un personnage assez banal en surface et en le confrontant au fantastique et à la folie de l’univers de la série. Le problème, c’est que le discours humaniste que l’on retrouve généralement sur ce titre peine à convaincre ici et arrivé à la fin de ce numéro, on se demande un peu pourquoi on devrait s’intéresser à ce qui se passe dans cette histoire. Le numéro décolle bien une ou deux fois quand le fantastique s’immisce dans le récit mais ce n’est pas suffisant pour éviter de plonger le lecteur dans un ennui poli. Surtout que ce chapitre se montre bien trop verbeux. De plus, les dessins de Carmen Carnero apparaissent, eux aussi, trop banals. La partie artistique vaut peut-être le coup d’oeil pour ses couleurs, notamment dans la dernière partie du numéro ou pour le découpage des planches de flashbacks mais, trop souvent, le tout semble être du sous-Brent Anderson. Finalement on pourrait résumer le travail de Busiek sur ce numéro par la dernière phrase de son personnage principal : « And my thoughts go around and around and don’t get anywhere ». Oui c’est vrai Kurt, et c’est bien ça le problème.

Nouvel épisode de ce crossover, qui semble être proche de sa fin. On se retrouve avec un combat épique entre nos deux duos emblématiques et les vilains qui comptent bien en finir avec eux. Le ton des deux shows est respecté et les dialogues constituent, comme d’habitude, le véritable point fort du titre. On regrettera toutefois le fait que l’intrigue n’avance pas très rapidement et que le rythme ne soit pas très soutenu. Graphiquement, c’est toujours très joli et l’on reconnaît aisément les acteurs. Ce titre sait être efficace et l’on attend la suite de pied ferme.

Déjà (ou « encore ») un numéro supplémentaire pour Wacky Raceland, une série de course de voitures où les héros ne font pas de course de voitures. Stereotype, te revoilà : après avoir repompé la moindre poussière des déserts de Mad Max, la série reprend son concept de post-civilisation non civilisée. Problème, comme à chaque fois, en voulant trop en faire ou en cherchant à n’imiter que les défauts, rien ne passe bien, du tigre à deux têtes à l’obèse despotique – même le tacle à Donald Trump trébuche devant la facilité débilitante de cette écriture trop pleine de tout, sauf de subtilité. Masse d’exposition, de badass synthétique, trop de héros et de voitures parlantes, bref c’est nul (mais beau), et ça n’a pas raconté grand chose pour l’instant.

Cette semaine, Action Comics revient avec son fameux problème de Clark Kent. En effet, notre Superman favori (le classique) est confronté à un homme qui prétend être le véritable Clark Kent, qui aurait prêté son identité au Superman New 52. On est toujours dans le doute concernant cette affirmation et le numéro vient brouiller les pistes. Ce statu quo se montre assez intéressant et vient intelligemment questionner la place du “nouveau” Superman. Action Comics reste à suivre, ce qui confirme l’idée que les titres Superman estampillés Rebirth font partie des meilleurs titres publiés par DC en ce moment. Graphiquement, c’est très solide et l’on se plaît à parcourir ce comic-book. Je suis fort intrigué par ce nouveau Clark Kent et j’attends la suite.

Toujours en vadrouille en Asie, Batgirl a décidément bien du mal à convaincre son lectorat. Alors qu’on pouvait se penser enfin débarrassés de Kai, ce pseudo love interest dont tout le monde se fiche, il est toujours au coeur de l’intrigue qui pousse BG (comme elle se surnomme) à pister ces mystérieux assassins masqués – dont le but n’est en fait pas tant expliqué que ça. Avec un ton malgré tout assez léger et une façon de faire le comicbook différente (ne serait-ce, par exemple, que par la façon de faire les bulles de pensées de cette façon), l’ennui est malgré tout présent, et pesant d’ailleurs. Rafael Albuquerque fait ce qu’il peut mais il n’y a au final pas grand chose à dessiner pour lui (ha, ces fonds vides, ces grosses cases) et on sent l’artiste assez peu impliqué dans ce travail. S’il pouvait se remettre à American Vampire, plutôt, je ne dirais pas non.

Après des débuts difficiles, le titre Deathstroke part maintenant dans une bonne direction. Maintenant que Wintergreen est sauvé, le mercenaire part retrouver sa fille « illégitime », Rose, car un contrat sur sa tête a été déposé – mais par qui ? Nul ne le sait. La relation entre Slade et sa fille fonctionne à merveille, Priest nous dépeignant un père intraitable, et se permettant de replacer des éléments d’ancienne continuité qui montrent que l’auteur maîtrise son sujet. La mise en scène pour montrer les capacités de prémonitions de Rose est également excellente, l’orientation thriller pur et dur fonctionne, et même le flashback a ici une vraie utilité. Du côté artistique, Joe Bennett se montrer un remplaçant efficace pour Pagulayan, et ses dessins ne souffrent pas trop d’avoir deux encreurs différents, avec une unité constante sur les planches. Cette semaine, Deathstroke se lit avec un vrai plaisir, vous auriez tort de passer à côté.

Il y  a un côté « too much » dans ce crossover, mais entre tempête torrentielle, énormes monstres et panique générale, le sentiment d’urgence et de catastrophe dans Gotham City a rarement été aussi jouissif à suivre. Gotham Girl est rentrée dans l’action et va commencer à mettre un joyeux bordel, et Detective Comics #941 vous surprendra d’ailleurs par une scène très gore – mais très fun – dont on avait plus eu l’habitude depuis longtemps. On garde malgré tout un côté « esprit d’équipe » assuré certainement par Tynion IV qui n’en oublie pas ses personnages, avec une Batwoman qui tente de faire mieux comme leader qu’un Batman qui essaie de tout faire sans y parvenir. Attention malgré tout à quelques petites fautes, comme Orphan qui appelle Spoiler par son prénom devant tout le monde, c’est un peu limite. Les dernières planches continuent à fond dans le côté « too much » du crossover, on se demande vraiment comment la situation va se résoudre, mais pour l’instant c’est du vrai fun, avec une partie artistique assurée haut la main (et puis ces monstres, bordel, ces monstres !). Je prends mon pied. Pas vous ?

Avec ce cinquième numéro de Hal Jordan & The GLC, Robert Venditti retombe dans ses mauvaises habitudes avec une narration qui prend son temps, sans chercher à réellement faire avancer les enjeux de l’histoire. C’est notamment le cas pour la première moitié du numéro qui se contente d’enchaîner des dialogues qui n’ont d’autres buts que de résumer la situation. Tout est alors remis à plat sans qu’aucun des personnages importants ici (Sinestro, Hal Jordan, Soranik) n’évolue réellement dans l’histoire avant la fin de l’épisode. Il est d’autant plus difficile d’adhérer à l’écriture de l’auteur qu’elle manque clairement de finesse. Que ce soit pour la caractérisation des personnages ou dans les dialogues, Venditti ne parvient jamais à aller au-delà de ce qui est en surface. Un manque de finesse d’ailleurs aussi réel dans la partie artistique. Le style de Van Sciver fait toujours son petit effet quand l’artiste dépeint des environnements épiques, en injectant même un petit côté S-F old school dans l’identité visuel du titre. Cependant, l’ensemble est inégal graphiquement et le coup de crayon de l’artiste ne convainc pas toujours dans les moments plus intimistes. Hal Jordan & The Green Lantern Corps #5 a donc tout du numéro mettant en page le calme avant la tempête. Forcément décevant, pris séparément du reste de la saga de Venditti, il n’y a donc plus qu’à espérer que la tempête, elle, soit mémorable.

Dernier numéro pour cette mini-série, qui nous propose l’affrontement final entre Harley Quinn et Harley Sinn, toutes deux accompagnées de leurs équipes respectives. C’est convenu et il ne se passe absolument rien d’original. Les rares tentatives d’humour tombent totalement à plat et l’on peine à prendre plaisir à suivre les personnages dont on n’a pas grand chose à faire. Cette mini-série n’aura pas eu grand intérêt, si ce n’est de nous proposer d’assez belles planches signées Mauricet, bien que cet épisode soit assez loin d’être le plus joli… je ne peux que vous conseiller de fuir la chose à toutes jambes et de ne pas vous procurer le tpb qui ne devrait pas tarder à sortir…

Encore un surplus à peu près dispensable pour tonton Ennis qui réussit tous les mois à payer son loyer. Qu’on se mette d’accord : ce n’est pas mauvais, ce n’est pas renversant. Certaines blagues sont géniales, et la caractérisation du Spectre en est le meilleur exemple (« fuck doctor fate »), le numéro ne repose vraiment que sur un ressort comique et n’a rien de plus à proposer. Jusque là, la série a cet aspect post-post-génial qu’on repère facilement dans l’abus de franchise : Hitman, c’était top. Puis Section 8 c’était sympa. Ici, la suite d’un spin-off d’une série déjà marginale en soi, on s’est tellement éloigné de la base qu’en définitive, à part de la private joke entre deux ressorts bien sentis, on s’en fout et Ennis fait le strict minimum pour nous prouver que lui, ça l’intéresse. Sale temps pour les légendes, et si lui ou DC avaient deux ronds à gaspiller, ramener un Monaghan canonique dans le DC Rebirth ou une mini nostalgique façon DK3 aurait dix fois plus de sens que cette énième élucubration d’un alcoolo en fin de carrière. Bref, amertume, même si, le Spectre est quand même bien fendard.

Le véritable problème de Suicide Squad depuis ses débuts est le découpage bâtard de l’histoire (à cause de Jim Lee) qui empêche Rob Williams de raconter son histoire correctement. Du coup, l’équipe a à peine le temps de faire connaissance avec un Zod enragé au possible (ce n’est qu’une brute épaisse) que l’action s’amoncelle jusqu’à nous présenter un autre groupe de vilains. De l’action, de l’action, de l’action, si c’est ce que vous recherchez du coup, ce sera suffisant ; il faut bien reconnaître que c’est bas du front, mais le dessin de Jim Lee reste assez appréciable, bien qu’il ne soit pas à son meilleur niveau. Pour l’autre partie, on appréciera d’autant plus la partie graphique avec un Philip Tan assez inspiré. Rob Williams nous fait un bref rappel de l’origine de Katana, toujours dans les mêmes procédés qu’utilisés dans les premiers numéros. Ce sera bien pour ceux qui ne connaissent pas le personnage, pour les autres ce n’est que de la redite. Vivement que Jim Lee s’en aille pour qu’on puisse avoir un vrai comicbook Suicide Squad.

Après une entrée en matière trop traditionnelle, Oliver accélère sur Constantine et trouve une énergie plutôt très agréable dans ce quatrième numéro, une sorte de qualité atypique que la plupart des scénaristes de ces dernières années ne trouvaient pas en ne se contentant que de reproduire la surface du héros. Ici, en gros, c’est mieux : au-delà de l’éternelle question de « qui est Constantine », de ces vilains démoniaques en éminences grises du monde souterrain et de l’éternel portrait de l’ordure en imper’, Oliver plie sa narration et la manière de poser des ambiances aux exigences de son héros. Le récit est bon, efficace et bien structuré, plus anglais qu’americain et dans l’exigence bizarre ou nuancée que ça implique – de son côté, Moritat marche sur l’eau avec un trait de plus en plus soigné et quelques idées de découpage bien exécutées. C’est beau, c’est bien, et il y a Swamp Thing, la plante stylée qui parle – à quoi se résument les bonnes choses, en définitive ?

Les Titans unis plus que jamais après que Garth se soit pris une baffe de Kadabra. C’est contre toute logique que ce dernier prend peur et s’échappe alors qu’il avait le dessus sur nos héros. Le pouvoir de l’amour et de l’amitié récente entre les membres a du lui faire peur. Nous sommes au troisième numéro et ma mauvaise-foi indique que le titre est perdu. Après cette introduction mettant fin à l’affrontement du mois dernier, le numéro se focalise sur Wally et Linda. Dan Abnett réussit à créer cet amour perdu chez Wally et la difficulté à l’accepter tout en relançant chez le lecteur des sursauts d’espoir. Le cliffhanger est pour cette fois très bien amené, logique et créé un sacré retournement de situation. Cependant, le scénariste n’excelle pas dans toutes les relations entre les personnages. Donna attrape Roy pour discuter, et ce dialogue est terriblement vide. Aucune progression, et une dernière case se foutant presque du lecteur. Le plus désagréable dans ce titre est le découpage des scènes à la manière d’une série télé lambda. Dan Abnett cherche à approfondir la personnalité de certains de ses personnages. Mais le fait couple après couple. On pourrait sélectionner une série de pages et y mettre un titre avec les personnages visés. L’aspect schématique est assez dérangeant, même si on peut ne pas le remarquer de suite. Autre surprise, Brett Booth. Son style est toujours sans âme, sans personnalité, mais force est d’avouer qu’une progression est à noter au niveau de la mise en page. Quand on voit ce dont il est capable sur les premières pages, en terme de détails (même si Kadabra a un front particulièrement proéminent), sa mise en page lors de la rencontre Wally/Linda est simple mais efficace. Si Titans n’est toujours pas la série phare de Rebirth, ce numéro tend vers une amélioration, et on peut espérer un meilleur traitement de l’équipe dans les jours à venir.

Wonder Woman #7 est la preuve qu’il n’est pas si compliqué d’écrire une bonne histoire de Wonder Woman. Enfin, entendons nous bien, avoir un scénariste brillant sur le titre, qui a totalement cerné le personnage principal et ce qu’il représente, ça aide. Pendant qu’on y est, avoir un artiste en pleine forme et dont le style correspond parfaitement au genre d’histoire que l’on met en place, c’est pas mal non plus. Quand tous ces éléments sont réunis, on obtient Wonder Woman #7. Un numéro bien rythmé, qui offre un joli crescendo jusqu’à la conclusion, mais aussi bien écrit. Chaque fois que Diana parle, on a d’ailleurs l’impression de voir la représentation ultime de ce personnage. Le tout en jouant brillamment avec l’imagerie pulp, et en la détournant puisqu’ici la « Damsel in Distress » n’est autre que Steve Trevor. Tout ça pour offrir un récit d’aventure assez classique, finalement, mais qui fait la différence grâce au travail sur les personnages. Ainsi Rucka parvient à refaire de Cheetah un personnage tragique et intéressant, tandis que la relation Wonder Woman / Steve Trevor est plutôt touchante, bien que ce dernier étant légèrement en retrait. Liam Sharp, lui, enchaîne les planches pleines de personnalité. Ses créatures en imposent tandis qu’il fait preuve de beaucoup d’idées dans son découpage. Le premier des deux arcs de Greg Rucka se termine donc avec classe cette semaine et le plus dingue dans tout ça, c’est qu’il ne s’agit peut-être pas du meilleur des deux.