Cette semaine, Astro City revient dans un numéro un peu spécial. En effet, ne vous laissez pas tromper par la numérotation, nous sommes ici en présence ni plus ni moins du 100ème numéro de la série (tous volumes confondus). Pour fêter l’événement, l’auteur propose de lever le voile sur un des plus grands mystères de la saga, The Astro-Naut, l’homme ayant donné son nom à la ville de part son sacrifice afin de sauver cette dernière.  Ce numéro, dont l’action est dépeinte à travers les yeux de Joseph Greenwald, conseiller municipal pendant la Prohibition, se présente comme un slice of life s’étalant sur une cinquantaine d’année environ. Busiek, réinventant la seconde guerre mondiale, arrive à raccrocher son récit au monde réel grâce à l’aide d’Anderson, ce dernier reprenant des plans iconiques typiques des images de célébration américaine de l’armistice de 1945. L’Astro-Naut se révèle être assez intéressant et malgré un nombre de réplique de plus en plus limitées au fil de la lecture, il est facile de cerner le personnage. Sorte de fusion entre un Clark Gable et un Jeffrey Dean Morgan, le portrait fait de lui reste nuancé, l’auteur profitant de la vie du héros pour au passage, critiquer allègrement le maccarthysme sévissant dans la société américaine de l’époque -quoique au vu du monde actuel, la morale peut tout aussi bien s’appliquer au 21ème siècle. Pour ce qui est de la partie graphique, Anderson réussit de très belles planches même si une colorisation légèrement plus punchy n’aurait pas été de trop et Alex Ross… c’est Alex Ross, que dire de plus ? En résumé, ce numéro est un bien bel hommage à l’ensemble de la série.

Astrid Mueller est de retour dans ce nouvel épisode de Clean Room, qui se montre plus malsain que jamais. Entre les psychopathes aux pulsions morbides et les monstres amateurs de souffrance, on peut dire que l’on est servi. C’est toujours efficace et l’on sent que Gail Simone maîtrise son sujet. Elle tient plutôt bien ses personnages qui se montrent toujours aussi intéressants, Astrid en tête, mais que dire de ce bébé totalement cinglé, et de tout le casting secondaire ? Le scénario avance petit à petit, mais c’est loin d’être très clair. On sent une volonté de faire avancer le récit par petites touches, et c’est une façon correcte de présenter l’histoire, mais ça ne colle pas très bien au format single, et une lecture TPB se montrera probablement plus agréable. Les graphismes sont toujours solides et l’on peut reconnaître que l’on tient là un titre fort réussi.

C’est déjà la fin pour la mini-série Frostbite avec ce sixième numéro, mais heureusement il sera à la hauteur de nos attentes. L’histoire de Keaton et Vic se termine assez simplement et rapidement, avec la moitié des pages sur le combat final et le reste étant l’épilogue, mais elle reste satisfaisante et surtout ouverte à une suite dans cet univers toujours plus attrayant. Cependant, comme souvent avec ce genre d’aventures, cette dernière partie fut tout de même la moins divertissante et le voyage aura encore une fois été plus palpitant que la destination. Les dessins et la mise en page d’Alexander sont par contre toujours aussi appréciables avec toujours ces ambiances évidemment très froides contrastées par des éléments chaleureux. Frostbite aura donc été un très bon récit de bout en bout assumant parfois trop son inspiration de Mad Max, mais se démarquant aussi de la saga de George Miller par quelques concepts novateurs.

Batman, Robin, Catwoman et Wonder Woman affrontent Ra’s Al Ghul dans le numéro de cette semaine, qui ne fait pas dans la subtilité. Le combat fait rage, dans le style cartoony que l’on connaît, et l’on a droit à quelques clins d’oeil à des épisodes classiques des comics de Batman. On appréciera l’ambiance décomplexée de ce crossover fort efficace, qui parvient à mélanger avec brio les esthétiques des deux shows tv dont il s’inspire, tout en tirant aussi une partie de son inspiration de comics plus récents, voire de Batman : TAS. Le graphisme est efficace et l’on a droit à une mise en scène de haute volée, mais les visages sont un peu inconstants.

Ce mois-ci Future Quest fait une mise au point, de telle sorte à réunir l’ensemble des personnages ayant fait leur apparition depuis le début de la série pour un final (oui, j’ai bien cru qu’il s’agissait du combat final le mois dernier) qui se fera dans les numéros à venir. Et cette fois, on ne peut pas se tromper, la série s’arrêtant dans quelques mois. C’est donc un coup d’accélérateur qui définit bien l’ensemble de la série allant à un rythme effréné dans son système de cause à effet successif. Chaque personnage retrouve son background dans des dialogues fidèles à l’esprit des séries animées. Une sorte de cliché bien perçu, et agréable aux oreilles. On est plus proche de dialogues rappelant l’esprit que du véritable cliché comme on l’entend. Future Quest est au complet, la menace est connue, mais il est fort à parier que le (ou les) prochains numéros nous réserveront quelques petites surprises. Ceci n’est pas un spoiler, pour les quelques lecteurs du titre – ou l’unique. Point de Doc Shaner ce mois-ci mais un Ron Randall dans une forme époustouflante. Chaque planche est une claque, un festival de détails associé à ce style cartoon qui fait le charme du titre et correspond à l’esprit des séries animées, auquel Future Quest a su rester plus ou moins fidèle jusqu’ici.

Injustice Ground Zero continue son remplissage de cahier des charges, et l’on a droit à notre lot hebdomadaire de combats et de complots. C’est toujours efficaces pour ceux qui adhèrent au style du récit et qui sont fans du jeu et de son univers implacable, où tout peut arriver. Le seul problème, c’est que l’action se situe à un moment que l’on a déjà exploré dans la série principale, et l’on a donc bien peu de surprise. Le graphisme est réussi et détaillé, ce qui met en avant le dynamisme de l’épisode, et il faut avouer que l’on s’attache à cette version d’Harley Quinn. Un titre à lire entre deux comics plus consistants.

Le Kamandi Challenge se poursuit avec ce nouveau numéro, qui continue de réinventer les aventures du Last Boy on Earth. C’est un numéro plutôt efficace, qui a le mérite de mettre en scène notre héros dans un récit qui rappelle ses mésaventures sous la plume de Jack Kirby :  Kamandi lutte contre sa servitude chez les tigres, qui comptent bien en faire un gladiateur. L’équipe créative s’en sort plutôt bien et l’on apprécie toujours de se replonger dans le monde redoutable de notre ami Kamandi. On regrettera cependant le fait que l’épisode semble ne pas constituer un récit à part entière, et tend à rappeler l’écriture décompressée des comics modernes. Les dessins sont particulièrement soignés, et l’on sent que découvrir de nouvelles interprétations graphiques de cet univers est passionnant.

Dan Jurgens nous pose ici ce complexe du filler qui n’en est pas un, entre une menace qui n’en est pas encore une, un problème qui n’en est plus vraiment un, et un fil rouge devenant de plus en plus complexe jusqu’à en devenir le véritable intérêt de ce numéro. Et de ce fait, tenir ce rôle de cliffhanger. Difficile de porter un jugement dans ce joli méli-mélo. De plus, le découpage du scénariste semble chercher à nous faire définitivement perdre la tête. On passe d’une intrigue, à une autre, puis à une autre, pour revenir à la seconde, puis à la première et ainsi de suite. On nous laissait avec une situation dangereuse qui se clôt par un “T’inquiètes Bro, c’est ma forteresse j’ai Nono qui va s’occuper du reste. Des intrus j’en ai tous les mercredis après-midi.”. Aucune tension, juste de l’indifférence. Au final Superman est occupé et s’il doit attendre, il attendra, mais il attendra bien, histoire de laisser le temps au scénariste de préparer la menace. Là où ça bouge, et là où c’est un peu plus logique, c’est ce fameux rendez-vous entre Lois & Clark. Pas son mari, l’autre, celui dont on ne sait rien depuis plus de six mois mais dont on se fiche bien d’où il peut venir puisqu’il est sympa. Et il n’y a pas à dire, Zircher a du mal avec ce Clark Kent. Sur certaines cases j’aurais juré avoir vu Steve Carell. De même avec la colorisation qui joue vraiment trop avec les effets de lumières et les dégradés, sans parler des choix des couleurs et des tons qui laissent à désirer. Au final, le Action Comics de cette semaine ne semble faire office que de prélude à Superman Reborn, mais reste malheureusement nécessaire pour ces dernières pages. Quoique, il est fort à parier qu’on retrouvera cette info expliquée en deux cases la prochaine fois. Revenez dans deux semaines pour Action Comics.

Un ensemble qui fonctionne mieux que le premier arc (mémorable) de cette itération de la Batgirl Rebirth, qui en définitive est peut-être l’une des séries à avoir le moins profité du dépoussiérage de personnages opéré après le relaunch. Barbara est de retour à Burnside, on la retrouve dans les mêmes tics de scénarios que ce que proposait Stewart à l’époque : des idées, des envies, des clichés. Une héroïne avec une vie amoureuse trouble, qui tombe pour le mauvais garçon (insérez un bruitage de facepalm si ça commence à vous blaser aussi) et le fameux complot de la sphère technologique, chère à une série qui, étrangement, aborde le sujet sous un angle plus pertinent qu’avant. Hope Larson propose en effet d’appliquer le phénomène d’uberisation et de la place que prennent aujourd’hui des applis de type Hitch dans la société moderne, avec l’idée que, dans la ville pleine de crime de Gotham City, un passant qui rentre d’une soirée arrosée peut se faire accompagner d’un vigilante ou d’un super-vilain, qui met ainsi ses pouvoirs au service de l’économie de l’entraide. Pas mal foutue, l’idée se débat bien et justifie (enfin !) le côté technophile de la série. De même, on peut difficilement cracher sur l’accord graphique proposé par la nouvelle équipe, Wildgoose, Lam et Lopes rendant un joli numéro (voire très joli), avec un peu plus de nuances que le “mignon” jusqu’au-boutiste de Tarr d’autrefois. Sauf que, cet embryon de propos sur l’économie des applis, transposé dans un monde de super-héros, dépasse à peine d’un scénario cousu de fil blanc, où le vilain arrive à cumuler les stéréotypes du riche entrepreneur aux dents longues, du fils oublié d’un autre méchant bien connu, et du boyfriend en devenir pour le moins mystérieux – tout ça ajouté à la fameuse école des prodiges où un gosse de 14 ans s’exprime en langage binaire et pourrait pirater le pentagone demain depuis le premier cyber-café. Usants, ces idioties paresseuses de scénarios empêchent de pleinement apprécier la série – sauf si on sait ce qu’on va y trouver. Puisque, sur une note plus optimiste, sans son trip asiatique surfait et avec les restes des quelques bonnes idées de Stewart à l’époque, Larson pourrait finalement se dépatouiller correctement et proposer un run de qualité si celui-ci tient cette cadence (sur un arc ou deux au minimum). A voir par la suite, et si l’auteur ne fout pas en l’air son approche “smartphone” sur l’autel du cliff de fin débilitant.

Beaucoup de sentiments me viennent à la lecture de ce numéro, je m’en trouve assez partagé. D’une part, Jurgens a plutôt bien réussi son coup sur cet arc, en menant le lecteur dans plusieurs directions pour finalement réussir un twist qui, bien que quelque part facile, est très réussi dans son exécution ; le lecteur est amené tout au long du numéro à se questionner jusqu’à la révélation finale, et le fil est vraiment prenant. D’autre part, l’auteur continue lentement mais sûrement la reconstruction de l’univers Beyond, effaçant petit à petit les traces de Futures End (notamment ici, avec une énoooorme retcon – mais qui n’est pas incohérente si on considère qu’au final, Tim Drake a réussi à modifier le futur) pour laisser place à un ensemble plus « sain ». Et en même temps il prend un gros risque par rapport aux attentes du lectorat, et va devoir redoubler d’efforts pour intéresser ce dernier sur d’autres menaces que celle qu’il vient de dévoiler. Une sorte de quitte ou double dont on ne verra pas la suite avant quelques numéros, mais pour le coup, c’était là vraiment pas mal joué ! Aux dessins, Chang (si c’est bien lui, merci les erreurs de crédits en couverture) n’est pas au top de sa performance avec de nombreuses cases bâclées et quelques arrière plans tristement générique, mais ce n’est pas laid non plus.

Keith Giffen continue de jouer avec son poto Scott Kollins avec le pauvre Jaime Reyes qui n’a rien demandé et qui ne fait que subir tout ce que son background lui inflige faisant ainsi passer Ted Kord pour un sacré enfoiré. Je ne veux pas jouer le puritain qui bénit les années 2000 (même si c’est un peu le cas), mais on est loin de l’écriture de Ted Kord, même pour un relaunch et un nouveau statut du personnage. On marque le traumatisme chez Jaime, sauf que les vannes ne sont pas drôles, la faute à un humour d’une lourdeur incommensurable. L’histoire tourne en rond depuis déjà très longtemps, et continue avec ces dialogues qui ne mènent à rien. Si l’objectif est bien celui de faire sentir au lecteur l’agacement, il s’agit bien de la seule réussite de ce titre. Non, je suis mauvaise langue, Scott Kolins livre un travail agréable à l’oeil, mais il est bien dommage que tout cela soit terni par une histoire qui se perd, à la fois par des enjeux minimes et déjà vus, mais surtout d’un traitement catastrophique. On a connu Giffen sous un meilleur jour.

Le titre Deathstroke se révèle toujours aussi efficace. L’affrontement entre Slade et Raptor continue alors que Joey « Jericho » est en plein remords pour ce qu’il a fait à son ancien mentor. On parle toujours politique internationale et les discours de Priest sur les actions de Slade relèvent véritablement le niveau de lecture, en poussant toujours les limites du « bien » et du « mal » au delà du simple manichéisme. En revanche les relations familiales deviennent de plus en plus compliquées – ou complexes, mais c’est là aussi la force de ce récit de long terme (franchement, le découpage en arcs se fait à peine sentir) et la révélation finale est même assez choquante. En tout cas, si je suis bien sûr d’avoir compris ce qu’on me montre. La suite s’attend donc avec une certaine impatience, mais au niveau artistique, je ne serais pas contre à l’idée de remplacer Joe Bennett qui, même s’il suit les découpages imposés par l’écriture de Priest, donne des dessins trop lisses pour apprécier pleinement l’envergure de ce que peut être une série Deathstroke.

Une fois de plus James Tynion IV nous régale avec Detective Comics. Déjà parce que la ré-introduction de Lady Shiva fait vraiment plaisir à voir. En plus d’un changement de look, la caractérisation va bien au delà du vilain de série B des New 52 pour la mettre en position de force avec une League of Shadows qui tiendrait presque de la légende urbaine (façon Court of Owls) et qui arrive à créer un réel sentiment de tension chez les protagonistes – et chez le lecteur. La mise en place des pions se fait petit à petit et chacun des membres de l’équipe a le temps de s’exprimer face à cette nouvelle menace. Et quand on voit que même le papa Kane a les foies, on se dit vraiment qu’il y a quelque chose dans l’air. Mise en scène bien travaillée également, petits retournements de situation par rapport à un cheminement attendu, James Tynion IV continue de livrer un run de bonne qualité ; on regrettera seulement de ne pas retrouver les artistes habituels sur le titre, Christian Duce apportant des planches assez quelconques, qui n’ont pas la finesse d’un Alvarez ou l’inventivité et la beauté d’un Barrows. 

Les Green Lanterns et les Yellow Lanterns continuent leur alliance – puisque c’est la mode chez DC de pardonner les meurtriers avec la JLA – pour traquer les dissidents du Sinestro Corps qui ne les ont pas rejoints. Cependant, cette histoire va surtout s’intéresser à Hal Jordan et Kyle Rayner partis à la recherche de Saint-Walker. Cette partie de l’histoire est très classique dans son déroulement et dans sa résolution très shônen. Le reste du numéro suit Guy Gardner, parti de son propre chef à la poursuite d’un Yellow Lantern très spécial, que l’on reverra avec plaisir. Guy apporte une part de fun au numéro et promet un combat qui le sera tout autant. Il est juste dommage que cette partie est la plus courte alors qu’elle est la plus divertissante. Hal Jordan and the Green Lantern Corps #15 est donc un numéro tout juste plaisant avec un scénario très simple grandement aidé par le talent de Van Sciver aux dessins.

Petit à petit l’écriture de Rob Williams remonte un peu, bien qu’il nous délivre encore une belle quantités de lignes cheesy au possible de la part des membres de la Suicide Squad – et il va falloir arrêter ce running gag de Killer Croc qui vomit, c’était pas hyper drôle la première fois, ça ne l’est pas plus maintenant. Reste qu’on cherche vraiment à savoir ce qui est arrivé à Waller (et je crois que Williams a un « twist » téléphoné dans son sac de scénariste, j’espère me tromper) mais dans l’avancée de l’histoire, on en a plutôt pour notre compte. Certes, la séparation en deux chapitres est toujours agaçante, mais elle va dans une même histoire ce qui est moins pénalisant pour tout le monde, auteur et lecteur. Reste que les dessins de Romita Jr. sont en bernes (la séquence « digitale » du début est véritablement affreuse) et il faudra plutôt compter sur Eddy Barrows et ses magnifiques passages en peinture pour remonter le niveau. L’intrigue peine à passionner sur tous ses points, mais Suicide Squad n’est plus, pour le moment, la purge qu’on a dû se taper pendant les premiers mois de Rebirth.